New Dada
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La prima fase “eroica” della Scuola di New York (il periodo dell’Action Painting e dell’Abstract Expressionism) arrivò ad un punto tale di tensione, ad un rifiuto così totale di ogni rapporto con la realtà e col sociale, ad un rifiuto, soprattutto, della condizione umana, che gli artisti della seconda generazione, nella seconda metà degli anni ’50, tornarono a sentire il richiamo dei contenuti dell’esperienza quotidiana e una spinta verso la rivalutazione dell’ “oggetto”. Il momento del passaggio tra l’Espressionismo Astratto e il totale recupero dell’oggetto che si compirà nella Pop-Art, è rappresentato da quella manifestazione autodichiarata New Dada (che in Europa si definirà Nouveau Realisme e arriverà in America solo nel 1962). Il New Dada inaugura una rappresentazione piatta e tautologica del soggetto, al limite del figurativo, che privilegia gli aspetti formali e costitutivi dell’immagine e riduce al minimo la gestualità. New Dada poiché vengono ripresi gli esperimenti del ready-made dauchampiano e posti all’interno del dipinto, sospesi, attaccati o accostati alla tela oppure riprodotti a grandezza naturale o ingigantiti. New Dada, quindi, perché il recupero dell’oggetto non esprime l’ironia e la forza di decontestualizzazione del ready-made di Duchamp, ma è una sorta di presa di coscienza dell’importanza dell’oggetto, sempre più evidente e inevitabile nella vita quotidiana. Tale procedimento segnò l’avvio di un atteggiamento autoriflessivo nell’arte nordamericana, che segnò le basi del pensiero minimale e concettuale seguente.
[modifica] ARTISTI
JASPER JOHNS (ALLENDALE, SOUTH CAROLINA, 1930)
Johns ha studiato presso la South Carolina University, in Columbia. Già verso la metà degli anni trenta la sua opera s’impose all’attenzione americana per aver instaurato una nuova relazione tra immagine reale e immagine dipinta. Nei suoi quadri egli fermò l’attenzione sulla realtà del quotidiano, operando pittoricamente uno spaesamento dell’oggetto con immagini semplici e comprensibili. Negli anni ’50 si trasferisce a New York dove ha la possibilità di incontrare e stringere una ferma e duratura amicizia con Robert Rauschenberg (Texas, 1925) . Nel 1958 la personale alla Leo Castelli Gallery riscuote grandi consensi. Il Museum of Modern Art acquista varie opere. Partecipa anche alla Biennale di Venezia. Nel 1959 il suo dipinto Grey Numbers vince il Premio Carnegie alla Biennale di Pittsburgh. Espone alla Galerie Rive Droite di Parigi e alla Galleria del Naviglio di Milano. È presente anche alla collettiva "Sixteen Americans", realizzata dal Museum of Modern Art di New York. Partecipa al lavoro Eighteen Happenings in Six Parts di Allan Kaprow. Nel 1960, sollecitato da Tatyana Grosman, comincia a dedicarsi all'incisione. Inizia la lunga collaborazione con la Universal Limited Art Edition. Nel 1961 introduce nei suoi lavori il motivo della Mappa. Prende parte alla mostra "Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York", organizzata dalla Galerie Rive Droite di Parigi. Collabora con scenografie e costumi all'attività di Merce Cunningham. Nel 1962 espone con Leslie, Rauschenberg e Stankiewicz al Moderna Museet di Stoccolma e alla Kunsthalle di Berna. L'anno dopo partecipa a una collettiva al Solomon R. Guggenheim Museum di New York. Nel 1964 espone al Jewish Museum di New York e alla Whitechapel Art Gallery di Londra. Partecipa alla Biennale di Venezia e alla Dokumenta di Kassel. Nel 1965 espone alla collettiva "American Painting in the Twentieth Century" del Metropolitan Museum of Art di New York e tiene una retrospettiva al Pasadena Art Museum. Vince un premio alla Mostra Internazionale di Arti Grafiche a Ljubljana. Nel 1967 espone alla Biennale di San Paolo. Lavora con il musicista John Cage e il coreografo danzatore Merce Cunningham, instaurando una collaborazione che durerà fino al 1972. Partecipa alla Documenta di Kassel del 1968. Dando vita al movimento neodadaista ha contribuito in modo decisivo al rinnovamento del panorama artistico internazionale riportando il quotidiano nell'arte dopo le speculazioni astratte dell'Action Painting. Le sue opere iniziali, che realizza negli anni tra il 1955 e il 1958, sono statiche nella loro “intelaiatura” come una targa commemorativa; il gesto vi registra le sembianze, la “pelle” vera e propria, senza riuscire a solcarlo, penetrarlo. Johns accompagna all’azione l’atto percettivo: le immagini si basano su poche figure fondamentali: bandiere, lettere, numeri, bersagli. Elementi banali, che trovano una precisa rispondenza nella vita di tutti i giorni e inducono a riflettere sul rapporto tra arte e realtà. Precedendo le ricerche concettuali, Johns si interroga sul rapporto tra oggetto e immagine, quadro e superficie. Accetta l'equivalenza tra oggetto e immagine, ma, a differenza di Rauschenberg, non distrugge l'idea di quadro e resta ancorato alla pittura. Nelle sue opere, gli oggetti non hanno un valore a sé stante; mescolati ai colori, stesi con pennellate imperfette ma ben amalgamate, servono ad arricchire la pittura, a realizzare un "quadro". La scelta di oggetti e simboli tipici della società di massa ne fa un precursore della Pop Art, da cui si distingue per l'attenzione ai valori plastici e pittorici. Intorno agli anni '60, passa dalla raffigurazione al prelievo di oggetti d'uso comune o personale (pennelli, barattoli di colori, telai) e la sua pittura conosce i toni freddi e spogli del grigio. Contemporaneamente inizia a interessarsi all'incisione. Nel 1961 introduce nei suoi lavori il motivo della Mappa degli Stati Uniti e l'impronta del proprio corpo. Comincia a utilizzare nuove tecniche come la serigrafia, le riproduzioni fotografiche, il neon e il metallo. A partire dal 1974, Jasper Johns adotta uno schema a "tratteggio incrociato", che lo avvicina a moduli astratti. All'inizio degli anni '80 inserisce nei suoi lavori oggetti tridimensionali, calchi del corpo umano e immagini di interesse percettivo. Il carattere autobiografico dell'opera di Johns si accentua sul finire degli anni '80, quando comincia a ispirarsi alle opere di altri artisti, come Grünewald e Picasso, intersecando la sua storia personale con la storia dell'arte. Anche se di rado si parla di Johns come di un pittore astratto, i suoi Bersagli possono essere alternativamente considerati oggetti concreti, motivi astratti, o raffigurazioni simboliche, e i dipinti a "tratteggio incrociato" sono sicuramente opere fondamentali per la storia dell'astrazione. Molto apprezzato per le sue incisioni, ha realizzato anche delle sculture, assemblando diversi oggetti realI, o realizzandone i calchi in bronzo.
ROBERT RAUSCHENBERG (Port Arthur,Texas 1925)
Dopo un primo momento di pittura legata al segno e all’astrazione (il periodo della “scrittura bianca”), Rauschenberg diveniva assieme a Jasper Johns, protagonista del rinnovamento del dada americano. Per lui, l’esistenzialità del gesto pittorico che contamina, tra l’altro, con la presenza dell’oggetto (logorato dall’uso, ormai reso inutilizzabile), continua ad occupare, con la sua possessiva presenza, il nostro quotidiano. La sua opera mima, in una tacita osservazione, la realtà quotidiana e si configura come in una stratificazione di piani, senza alcuna selettività; l’unificazione è prodotta esclusivamente dalla pennellata carica di colore, vitalistica e il quadro vive nel rapporto inquietante tra gesto e residui del presente di ogni giorno. I “combine-paintings” di Rauschenberg, per cui è caratteristico l’uso di animali impagliati, esprimono in modo evidente la sua intenzione di agire nella breccia che separa l’arte dalla vita, espressa nella volontà di riunire nell’opera d’arte la pittura (nel caso specifico della pittura di gesto) e gli “ostaggi” della vita quotidiana, conciliando le attività spirituali con quelle materiali dell’umanità. Oltre a questi, Rauschenberg si avvale anche del riporto fotografico su tela a mezzo della serigrafia, usata come una semplice tecnica di perfezionamento del frottage di Ernst. Seguiranno negli anni sessanta, le varie “Venetian” e “Egiptian”, per le quali egli usa gli assemblaggi di scatole e cartoni da imballaggio, colorati all’interno e che, volti verso la parete, sembrano emanare una luce interiore. Di seguito la serie “Hoarfrosts”, riporto di immagini su tessuti trasparenti (secondo il principio del trasporto diretto a mezzo del tricloretilene), che si dispongono in stratificazioni multiple, sostituendo l’assemblage di immagini, all’assemblage di oggetti. Questi lavori giocano sulla trasparenza, fenomeno adatto a rallentare la visione, a impedire la cattura immediata dell’opera. Anche la leggerezza del supporto conferisce all’opera un’immaterialità, una trasparenza leggermente opacizzata e rugiadosa.
